Virginia L.

Poésie. Dessin.

Etienne Martin

Jusqu’au 16 septembre, le Musée des Beaux arts de Lyon propose une exposition sur Etienne Martin (1913-1995).

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Le musée a déjà fait une exposition dédiée à l’artiste mais celle-ci est là pour marquer l’acquisition faite par le musée de la sculpture Hommage à Brown (1988-1990). Un véritable totem.

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En effet, James Jacques Brown était un artiste très proche d’Etienne Martin. Ce qui est intéressant est qu’elle est exposée face à celle-ci, Etienne Martin écrase l’envie et la médiocrité du sculpteur J. Brown:

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Il a été formé aux Beaux Arts de Lyon et a enseigné. C’est un hommage à une figure majeure du XXe s. De La Sauterelle (1933) , emblématique des années de formation:

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à l’ Ecce Homo (1993),

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C’est une racine d’oranger avec des chaînes, de quoi voir un Christ supplicié. Le bois est le matériau préféré du sculpteur comme pourrait l’indiquer son œuvre Le Pommier-Homme dont le titre prouve bien qu’il faisait passer l’arbre, le bois avant l’homme.

En passant par le Nautilus, hommage à Jules Verne:

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et la Pietà (en tilleul, 1945):

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L’exposition nous parle de l’artiste amateur d’architecture qui dessinait des plans de sa maison de famille de Loriol et qui avait une vision architecturale de la sculpture comme le montrent aussi ses Etudes pour demeure en fil de fer.

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L’œuvre de l’artiste est représentée chronologiquement. Cela témoigne des enjeux de son temps. Avec ses récompenses nationales et internationales, Etienne Martin s’inscrit dans l’histoire de l’art du XXe s. par la liberté accordée au matériau employé et par la diversité de ses inspirations.

 

La Cappella San Severo

Il n’y a que Naples qui peut accueillir ce genre de mystères. En plein cœur de la ville, le  Musée Chapelle Sansevero è un bijou du patrimoine artistique. Créativité baroque et beauté e mystère se mêlent en créant une atmosphère unique, presque hors du temps.

Parmi les chefs-d’ œuvre, il y a les célèbres sculptures de Giuseppe Sanmartino comme le Christ voilé (Cristo velato) pour son image qui  fait le tour du monde pour la prodigieuse texture de son voile en marbre. Selon notre angle de vision, le Christ semble avoir des expressions différentes.

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Il y a aussi des merveilles de virtuosité comme le Disinganno (le fait de sortir de la tromperie), une sculpture dédiée au père de Raimondo di Sangro. Ce dernier espère que son père a retrouvé la morale religieuse avant sa mort. On le voit sortir du filet qui représente la tromperie.

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Un soldat allemand, en 1942, n’ a pas voulu croire que c’était uniquement fait de marbre. Pour "vérifier", il a cassé une partie du filet.

Ou encore cette vierge Marie:

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Mais il y a aussi des présences énigmatiques comme ces Machines anatomiques. La Cappella Sansevero représente un des plus singuliers monuments che le génie humain aie jamais conçu.

 

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Ce ne sont pas des squelettes mais des machines fabriquées. Elles représentent le système sanguin. C’est du haut niveau pour l’époque même si maintenant, avec nos connaissances actuelles, on peut relever quelques erreurs.

C’est donc un mausolée mais aussi un temple initiatique dédiée à la franc-maçonnerie avec certains de ses symboles comme le dédale que l’on voit au sol.

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De quoi refléter la personnalité de son concepteur: Raimondo di Sangro, septième prince de Sansevero (1710-1771).

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Le conte de la princesse Kaguya

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Voilà le dernier né des studios Ghibli crées par Miyazaki et Takahata et il y a de grandes chances pour que ce soit leur dernier film. En effet, les studios Ghibli, créateurs de Mon voisin Totoro et du Voyage de Chihiro, ont informé qu’ils arrêtaient la création de grands films. Le Made in Japan coûte trop cher.

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Le Conte de la princesse Kaguya, sorti au Japon le 23 novembre 2013 et en France le 25 juin 2014, reprend le conte traditionnel du Coupeur de bambous.

Histoire:

Une petite princesse de la Lune est envoyée sur terre et confiée à une famille qui vit dans la nature. Le père la trouve en coupant du bambou. Elle est alors de la taille d’une toute petite poupée.

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Avec sa femme, ils l’éduquent et voient le bébé grandir vite, vite…

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Elle rencontre un garçon qu’elle aime mais il est l’heure de parfaire son éducation de jeune fille qui vit à la campagne. Elle doit alors partir mais face au codes de la cour, la princesse Kaguya souffre.

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et doit faire face au peuple de la lune qui revient la chercher. Comment va-t-elle réagir?

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A méditer:

- La Nature contre la culture représentée par les codes de la Cour impériale.

- Qu’est-ce que vivre? Est-ce ressentir des sentiments?

C’est également plein de poésie comme d’habitude dans les films de Miyazaki. Les couleurs, les traits et le thème sont touchants. Il y a des moments où des traits s’ accélèrent et se font plus sec:

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Dans la salle, les gens semblaient emportés.

Parler

Pour quoi dire?

Toute cette pression.

Tous c es clichés.

C’est juste un amour.

Que veux-tu.

Tu vois, c’est comme ça.

Un amour.

Une rencontre.

Une habitude.

Et puis, oust

C’est la fin.

Aucune idée

Juste du fugitif

Un mouvement hâtif

Un truc à garder;

Un rien

Un tout petit

A conserver

Une façon d’éprouver

Notre amour

La vie

Notre sincérité

L’ iroha-uta, poésie japonaise

L’iroha-uta ( Chant de l’iroha ), ou plus couramment iroha, désigne la traduction en japonais d’un hymne du Sutra du Nirvana. Il date du XIIe siècle. Il a longtemps utilisé pour l’apprentissage des kanas Il est maintenant utilisé pour l’initiation à la calligraphie et également dans certains théâtres japonais où l’on utilise encore l’ordre des  hiragana de l’iroha pour désigner les rangées de siège. D’auteur inconnu, ce célèbre poème est composé avec la totalité des quarante-sept hiragana, à l’exception du (n)  ultérieur, ainsi que le "Ye" qui est antérieur à l’ère Edo du poème.

Le poème:

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La prononciation

Iro ha nihohe to

Chirinuru o

Wa ka yo tare so

Tsune naramu

Ui no Okuyama

Kyo Koete

Asaki yume misi

Ei mo sezu

 

La traduction:

Les couleurs sont parfumées

Mais pourtant elles disparaissent

Qui peut dans notre monde

rester sans changements.

La haute montagne des aléas,

aujourd’hui j’irai dessus.

N’ayant ni les rêves vains,

Ni l’ivresse du vin.

 

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Simona, documentariste d’avenir

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Simona est une documentariste italienne. Elle a reçu le prix Adda film festival pour son court métrage L’histoire d’une goutte d’eau. J’ai eu l’occasion de lui poser des questions. Elle partage son amour de la musique et sa vison du métier.

Dis-moi qui tu es?

Je suis enseignante, chercheuse universitaire, une passionnée de musique et de cinéma. Passionnée au point de faire un film sur la musique.

Pourquoi as-tu voulu réaliser des documentaires?

J’y suis arrivée de façon indirecte! J’ai commencé en écrivant de tout: des poésies, des histoires brèves et puis j’ai acheté un appareil photo numérique capable de filmer et je l’ai dirigé sur ce qui me plaisait. J’ai étudié la photographie donc j’ai adapté mon approche au mouvement. Pendant que j’étais à Londres, à un concert, tant d’idées que j’avais se sont rassemblées et j’ai pensé à un documentaire sur la création des chansons. Et maintenant, c’est fini, je suis un documentariste.

Tu as des films, des cinéastes de prédilection?

De nombreux. Martin Scorsese (J’aime tout ce qu’il fait!), Paolo Sorrentino (Ses films sont des symphonies merveilleuses qui caressent), Clio Bernard (Un œil pointu), Terry Gilliam (Solaire avec un sens propre à lui et amusant).

Comment peux-tu qualifier ton film SongBirth?

SongBirth est une déclaration d’amour.

C’est ton premier long métrage. Il y a des différences entre un court métrage et un long métrage? Il y a des façons de concevoir, des conceptions différentes?

Il y a différentes techniques dans les dynamiques et il y a des difficultés à garder le bon tempo, le bon rythme quand on fait un long métrage conceptuel.  Dans le cas de film de fiction, les règles sont les mêmes mais dans un court métrage on peut expérimenter davantage et cela coûte moins. Le court métrage est idéal pour apprendre mais il n’y a ni marché ni distribution… Cependant Je crois que la conception est commune parce que cela concerne l’histoire plus que la durée.

Il y a des sujets plus adaptés à certains types de métrage?

On peut raconter certaines histoires en quelques minutes et d’autres demandent plus de temps.

C’est le même but?

Je ne suis pas sûre d’avoir compris la question mais je crois que le but est de communiquer quelque chose et ce quelque chose peut passer par de nombreuses voies. Donc si le but est de communiquer alors c’est le même but, indépendamment du moyen. Mais celui qui le reçoit est différent, le public des festivals et celui de la télévision peuvent être très différents.

Avec L’histoire d’une goutte d’eau et Death and resurrection, cela semble des vidéos orientées vers l’humanité et l’environnement. C’est vraiment le message que tu veux transmettre?

Le message de la goutte d’eau -et peut-être parce que c’est difficile de voir et articuler mes messages- mais peut-être est-ce l’essence même de la beauté. Death and resurrection est ma façon d’honorer celui qui travaille à reconstruire. Dans les deux cas je cherche ce qui est pour moi beau de toute façon.

Tu peux qualifier ton travail d’engagé?

Je ne saurais le dire. Je m’amuse beaucoup mais les choses cachées et petites m’intéressent. Est-ce engagé?

La musique semble importante pour toi et ton travail?

La musique est fondamentale dans ma vie, toujours. Comme dans la chanson "Vivo per lei."

J’ai entendu dire que tu avais un projet de comédie dramatique. L’histoire d’un musicien?

Je suis en train d’écrire deux scénarios. Leçon d’un italien est l’histoire d’un italo-américain en Italie. Johnny Stow est l’histoire d’une très jeune idole pour adolescents, une star anglaise de la pop qui veut être musicien!

 

L’histoire d’une goutte d’eau:

 

 

Interview théâtrale

Qu’est-ce que l’on ressent quand on se lance dans le théâtre à l’âge adulte? Qu’est-ce que l’on recherche vraiment? Voilà l’interview d’Eric Mansoun, débutant et passionné. Suite à une année de formation au théâtre Le fou, il vient de faire ses premières armes lors de la pièce de fin d’année intitulée Les Egarés.

photoEric Mansoun dans son  costume de la pièce Les égarés

Pourquoi , pour quoi faire du théâtre ?

Cela faisait déjà quelques années que l’idée me trottait dans la tête, mais je n’osais pas franchir le pas. Je ne pensais pas être capable de pouvoir restituer un texte, tout en jouant un rôle sur scène et devant un public. C’est une façon pour moi de dépasser mes limites.

Qu’est-ce que cela apporte ?

Tout d’abord, la satisfaction d’avoir pu concrétiser un rêve. Ensuite, je suis content de ma progression dans ma façon de jouer, grâce aux conseils avisés de notre professeure. Par ailleurs, je pense avoir acquis une meilleure aisance à parler devant un public.

Quelles sensations éprouve-t-on quand on se trouve la première fois sur scène ?

Au delà du trac, j’ai ressenti une grande émotion à me retrouver face au public. Ensuite, on pense surtout à rester concentrer pour ne pas perdre le fil.

Comment peux-tu qualifier la pièce?

C’est avant tout une pièce contemporaine, qui délivre une émotion intense, avec des rôles très différents.

Qu’est-ce que tu peux dire sur ton rôle ?

Je joue un rôle de séducteur, qui est sûr de lui, et qui essaie de séduire une jeune femme avec une approche pleine de sous-entendus.

Pourquoi avoir choisi des extraits de différentes pièces ?

Ce sont avant tout le choix de notre metteur en scène, Pascaline, qui souhaitait monter une pièce faite à partir d’extraits de textes de pièces contemporaines.

Pourquoi avoir pris le thème de la gare ?

On a fait le choix d’un endroit insolite comme celui d’une gare, car cet endroit est le lieu de rencontres idéales et qui permet de faire évoluer des personnages dans différentes situations.

 

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Mise en scène: Pascaline Chambon

A travers un florilège de textes contemporains, des personnages à la fois drôles et touchants vous embarquent dans un univers sensible à la quête des uns et des autres résonnera en chacun de nous

Avis:

  • Les extraits sont choisis
  • J’ai bien aimé "le ballet" de gens qui se croisent sans vraiment se rencontrer au début.
  • L’idée de la gare est classique mais bien vue.
  • On a tous les sentiments: tristesse, amour, innamoramento, désespoir.
  • On pleure, on rit.
  • Les élèves ont donné le meilleur d’eux-mêmes.

En espérant que cela vous incite à vous inscrire à des cours de théâtre…

L’art moderne brésilien

  • Pour célébrer le premier siècle d’indépendance du Brésil en 1922, São Paulo accueille la Semaine d’art moderne, événement fondateur du modernisme brésilien. Le but: rassembler des artistes (poésie, littérature, peinture, sculpture, musique) pour rompre avec l’académique pour former une identité culturelle propre.
  • Le Manifeste anthropophage, écrit par 1928 par Oswald de Andrade devient le noyau théorique du mouvement. Il prône le mélange de la culture colonisatrice aux caractéristiques des Indiens Tupi vivant au brésil avant la conquête. Il faut assimiler la culture portugaise pour en faire une déclinaison spécifique.

sans-titre (114)Oswald de Andrade

  • Le décentrement de la vie artistique de Rio de Janeiro (alors capitale fédérale) à São Paulo (nouveau centre économique) se confirme dans les années 40 avec la création d’importantes institutions: le Musée d’art d’ art, le Musée d’art moderne, la Biennale. La question d’identité nationale s’empare de la politique surtout avec l’idée de la création d’une capitale fédérale lancée par le président Juscelino Kubitschek.

sans-titre (110)Juscelino Kubitschek

L’urbaniste est Lúcio Costa et l’ architecture de Style international mais avec des échos à la nature environnante est d’Oscar Niemeyer.

images (37)Brasilia

  • Les années 50 sont aussi marqués par l’émergence de mouvements artistiques qui se revendiquent du Manifeste anthropophage. Tandis que qu’Augusto de Campos et Décio Pignatari, chefs de file de l’Art Concret à São Paulo veulent enlever toute connotation lyrique, symbolique et subjective de la peinture et de la poésie pour des simples éléments plastiques ou d’une poésie "verbi-voco-visuelle"

01_01Poésie d’Augusto de Campos

roland3 Poésie de Décio Pignatari

  • Certains signent le Manifeste Néo-concret, ils veulent rompre la distance entre public et œuvre. Hélio Oiticica, Lygia Clark et Lygia Pape proposent de digérer également la culture populaire.

31 mars 1959, le présent Goulart est renversé.

tropicalia1Tropicalia de Hélio Oiticica

  • Elle inspire aux musiciens Caetano Veloso et Gilberto Gil l’album Tropicalia ou Panis et Circensis. C’est la pierre angulaire du mouvement Tropicalistequi concerne la littérature, théâtre, poésie, arts plastiques et cinéma. Il faut montrer la culture brésilienne avec les formes populaires traditionnelles, la culture de masse et les techniques de l’avant-garde internationale. A cette époque, l’art conceptuel fait son entrée dans la création brésilienne avec des artistes comme Cildo Meireles et Tunga

5013s1Cooking crystals expanded (2010) de Tunga

MEIRELES19Marulho (1991-1997) de Cildo Mereiles

Ils mélangent art, vie, poésie, engagement politique.

  • A la fin des années de plomb, c’est le moment de faire le point sur l’histoire de l’art moderne brésilien. Aracy Amaral participe en 1987 à la réalisation de l’expo Modernidade-Art brésilien du XXe siècle au Musée d’art Moderne de la ville de Paris.
  •  Années 90: le retour de la démocratie et la croissance économique entraînent la multiplication des structures et institutions destinées à la création contemporaine au Brésil.
  • En 1998, une exposition lors de la 24e Biennale de São Paulo montre l’influence de l’art brésilien sur le reste du monde.
  • 2009: Le 31st Panorama da Arte Brasileira, à São Paulo, invitent les artistes étrangers pour qui la modernité brésilienne est une source d’inspiration.

sans-titre (117) Oeuvre de Pedro Moraleida

AU-TES-pbbs-39œuvre de J. Borges

Cela nous permet de nous interroger, dans un monde globalisé, sur les processus de contamination, sur les origines, la réappropriation.

Je vous conseille d’aller voir  l’exposition Imagine Brazil au musée d’art contemporain de Lyon jusqu’au 17 août 2014.

Pour l’histoire du Brésil

 

Petite histoire du Brésil

 

 

Ben-vindos dans cette petite histoire du Brésil avec quelques dates. C’est un pays passionnant que l’on ne connaît pas tant que ça.

1500: Le Portugal arrive. Pedro Álvares Cabral et les caravelles débarquent à Bahia.

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1532: Brasileiros

La ville de São Vicente devient le point de départ des expéditions fluviales. Les Portugais découvrent un produit lucratif, un arbre, le bois-brésil, qui donne de la teinture rouge. Ses négociant sont alors appelés les "brésiliens".

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On recherche de l’or, des pierres précieuses et de la main d’œuvre pour cultiver la canne à sucre récemment implantée. Après les Indiens, ce sont les populations africaines devenues esclaves qui arrivent à Salvador dans la deuxième moitié du XVIe siècle.

1792: Inconfidência mineira

C’est un soulèvement contre  paiement du "quinto" (impôt sur l’or) échoue. Les conspirateurs sont dénoncés et condamnés.

1808: Installation de la famille royale portugaise.

Alors que Napoléon Ier envahit le Portugal, le Prince régent Dom João VI s’installe à Rio de Janeiro.

sans-titre (107)Dom João VI

1822: L’Indépendance

Après la défaite de Napoléon Ier en 1814-1815. Le Royaume-Uni du Portugal, du Brésil et des Algarves est déclaré mais une révolution libérale à Porto contraint Dom João, devenu roi, à rentrer au Portugal. Alors que le pays traverse une crise mêlant menaces révolutionnaires des brésiliens et l’ insubordination des troupes coloniales. Les Cortes (Congrès souverain) dissolvent le gouvernement central établi à Rio de Janeiro et ordonne au Prince Régent, Dom Pedro, de rentrer à son tour à Lisbonne.

220px-DpedroI-brasil-fullDom Pedro

Il choisit de rester et déclare l’Indépendance le 7 septembre 1822 en disant "Fico" je reste.

1888-1930: Abolition de l’esclavage et proclamation de la République.

La Princesse Isabel do Brasil abolit l’esclavage en signant la Loi d’orle 13 mai 1888 contre l’avis des grands propriétaires.

images (36)Princesa Isabel do Portugal.

Ils organisent un coup d’État qui aboutit à la République le 15 novembre 1889. Cette période conservatrice avec une prospérité économique qui repose sur les grandes exploitations de café  se poursuit jusqu’en 1930.

1930-1954: La Révolution de 1930 et l’Estado Novo:

Suite à l’élection présidentielle, le candidat éconduit Getúlio Vargas, fait un coup d’État. De 1937 à 1945, l’Estado Novo s’inspire du fascisme italien en favorisant l’industrialisation et l’armée. Sous la pression des entreprises multinationales et de l’armée qui veulent son départ, il se suicide le 24 août 1954.

sans-titre (109)Getúlio Vargas

 

1955- 1961: Brasilia

Juscelino Kubitschek, élu président annonce un plan quinquennal de développement économique financé en empruntant aux banques américaines.

sans-titre (110)Juscelino Kubitschek

Brasilia, nouvelle capitale fédérale, est inaugurée en janvier 1961. La création de la ville à l’intérieur des terres vise à mieux répartir richesse et population surtout concentrées sur le littoral.

1964-1989: La dictature

Un coup d’État militaire renverse le Président João Goulart et instaure une dictature de 20 ans.

sans-titre (111)João Goulart

Des escadrons traquent les opposants au pouvoir. Exil, déportation, tortures, emprisonnement. La dictature prend fin avec de nouvelles élections démocratiques en 1989.

2002, Luiz Inácio Ferreira da Silva, Lula, est élu. Le pays connaît une croissance économique  et des réformes et a eu deux mandats successifs.

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1er janvier 2011: élection de Dilma Rousseff. Le pays devient la sixième puissance mondiale avec bien sûr encore des problèmes sociaux.

sans-titre (112)Dilma Rousseff

 
Pour l’histoire de l’art brésilien

 

 

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